Hace unos días, me encontraba en la segunda ciudad de Irlanda, Cork. La opaca perspectiva de un viaje de trabajo rutinario se iluminó cuando un colega, amigo y anfitrión, Daragh, sugirió que nos uniéramos a la velada de clausura del Festival de Cine Italiano local.

Estaban proyectando Ennio, el Maestro de Giuseppe Tornatore y, a pesar de que la sala estaba casi llena, le resultó fácil encontrar las entradas, siendo uno de los organizadores. Entonces, felizmente me uní y al final supimos que habíamos visto una gran película sobre un gran hombre. También fue una experiencia de humildad.

Ennio es un documental biográfico, un comedido pero sentido homenaje de Tornatore a uno de los mejores músicos del siglo XX. La película está mesurada por dos razones. Primero, Tornatore podría haber hablado extensamente sobre Ennio Morricone, ya que los dos trabajaron juntos en varias películas. Más notoriamente en Cinema Paradiso (1988), La leyenda del pianista en el océano (1998) y, más recientemente, en Baaria (2009).

En cambio, Tornatore solo aparece un par de veces entre las decenas de músicos famosos, directores de cine y amigos a los que se les pide repetidamente que den su opinión o cuenten una anécdota. Aún más importante desde un punto de vista cinematográfico, la película está mesurada porque es difícil ver la mano de Tornatore. Esta es una película en la que el director casi te hace olvidar que estás viendo una película.

No parece así al principio. La primera secuencia es muy elaborada ya que la cámara sigue a un anciano Morricone haciendo una serie de ejercicios físicos en el suelo de parquet de su piso. Los movimientos de cámara y el encuadre son más evidentes por lo que la presencia del director es palpable. Sin embargo, esto solo dura unos minutos.

Después de eso, la película toma una forma más convencional, alternando entrevistas de estudio con clips de conciertos o grabaciones antiguas de Morricone. Es como si, a partir de entonces, Tornatore adoptara el papel más discreto de historiador y editor, dejando a Morricone y su música en el centro de la escena.

La lección de humildad antes mencionada se refiere a nuestra comprensión de la enorme erudición que se esconde detrás de la sencillez de algunas de las piezas musicales más reconocidas de Morricone.

Todos aquellos a los que les gusta su música y leen un poco sobre su vida, saben qué músico serio era, estudiando composición entre el grupo de élite de Italia en el Conservatorio Santa Cecilia de Roma, dirigido por Goffredo Petrassi.

También sabemos de su implicación en la música experimental contemporánea que, en la década de 1960, exploró la música atonal hasta los extremos más irritantes. Y sabemos cómo encontró rápidamente una capacidad asombrosa para producir melodías cautivadoras que se quedarían grabadas en nuestras mentes una vez escuchadas que.

Realmente no importaba si se trataba de arreglos de música pop o de partituras de películas de arte. Allí estaban, a menudo acompañados por efectos de sonido inusuales como latas, campanas, silbatos y látigos.

Morricone, el experimentador, y Morricone, el compositor melódico, produjeron una mezcla tan peculiar que sus obras están reconocidas por todo el mundo. El resultado fue que rápidamente se convirtió en uno de los músicos más solicitados de su generación. Y uno de los más innovadores.

Así lo atestigua una serie de figuras legendarias que cantan sus alabanzas: desde estrellas de rock como Bruce Springsteen a compañeros compositores - una larga lista encabezada por John Williams y Hans Zimmer - a directores de cine que trabajaron con él como Sergio Leone, Oliver Stone, Quentin Tarantino y otros, hasta actores icónicos como Clint Eastwood. Es literalmente la crème de la crème de la música y el cine contemporáneos.

Pero a pesar de este elogio aterciopelado, la película muestra igualmente la fragilidad humana del hombre. Muestra hasta qué punto el sentido de autoestima de Morricone fue desafiado por la frialdad ofrecida por sus antiguos compañeros compositores "serios", o por la falta de reconocimiento formal por parte del establecimiento de Hollywood. Se necesitó un premio de consolación a la carrera en 2007 antes de que Morricone pudiera colocar la estatuilla dorada en su gabinete de premios.

Morricone fue un acérrimo defensor de su condición de compositor. Los productores, directores y periodistas a veces se llevaron la peor parte después de pedirle que cambiara su forma de actuar o que hiciera la pregunta equivocada.

Tuve el privilegio de entrevistarlo en 2006, y cuando le pregunté ingenuamente si la canción de cierre de The Legend of 1900, escrita por el exlíder de Pink Floyd, Roger Waters, era fruto de una colaboración entre ambos, sentí las llamas del infierno abrasando las suelas de mis zapatos.

Después de unos segundos de silencio resentido, me hizo saber en términos muy claros que la canción de Rogers era poco más que una mancha en la partitura que había compuesto. Rápidamente pasé a otras películas y él volvió a su habitual personalidad tranquila y amistosa.

Un punto destacado de Ennio es el clip del descarado discurso de Tarantino, durante los Premios de la Academia de 2016, en el que insistió en que Morricone debería ser considerado uno de los mejores compositores de todos los tiempos, junto con Bach y Mozart.

Tal vez sea demasiado pronto para ese tipo de consagración. Sin embargo, no cabe duda de que es uno de los compositores más revolucionarios e influyentes de su generación. Las partituras de películas son lo que mejor hizo, pero ha dejado un repertorio igualmente impresionante de otras composiciones, que van desde canciones pop hasta la sinfonía clásica que compuso después del 11 de septiembre. Hacia el final de su vida, fue, con mucho, el compositor vivo más popular del mundo.

Y al final de la película, recordamos que hemos estado viendo un documental realizado por un gran director de cine. Y lo mejor, esta vez, es el paso atrás de Giuseppe Tornatore, permitiendo que la vida y los logros de Morricone hablen por sí mismos.

Portada: Ennio Morricone
(imágenes cortesía de dogwoof.com)