Sin dal loro primo incontro alla Central Saint Martin’s School of Art di Londra, nel 1967, Gilbert & George hanno creato arte insieme. Allo stesso tempo soggetto e oggetto delle loro opere, Gilbert Proesch (Italia, 1943) e George Passmore (Regno Unito, 1942) sfidano i confini dell'arte contemporanea da oltre 55 anni, operando come un artista singolo.

La loro arte approfondisce la complessità della vita, spesso presentata sotto forma di installazioni su larga scala, composte da più pannelli incorniciati che ricordano finestre sul loro mondo. Queste composizioni presentano strati e trame intricate, con gli artisti che guardano l'osservatore o sono immersi nei paesaggi raffigurati. Indipendentemente dalla scena, Gilbert & George occupano costantemente il punto focale delle loro opere, mantenendo un'interazione dinamica con lo spettatore.

Prima del debutto di London Pictures al Gilbert and George Centre, siamo stati invitati a un'anteprima esclusiva della mostra.

Il Centro - accessibile a tutti gratuitamente - è situato nella zona londinese di Brick Lane, ospitato all’interno di un ex edificio industriale, convertito nel 2022 per fungere da spazio espositivo permanente per il lavoro degli artisti. Perfettamente integrato nell'atmosfera grintosa e vibrante dell'East London, fatta di minimarket, negozi di alimentari, negozi di unghie e studi di tatuaggi, l'edificio rispecchia l'ambiente che ha ispirato Gilbert & George per decenni. Distribuito su tre gallerie, trasmette immediatamente un senso di familiarità, quasi come un'estensione del vicino studio e casa degli artisti.

Dalla sua apertura, avvenuta lo scorso anno, il Centro ha accolto oltre quarantamila visitatori e appassionati d'arte. A più di un decennio dal debutto di London Pictures in un tour mondiale, il Centro ora presenta 28 delle 292 opere d'arte originali, molte delle quali vengono esposte nel Regno Unito per la prima volta.

Le London Pictures traggono ispirazione da una collezione di 3.712 manifesti da edicola, rubati dagli artisti nel corso degli anni. Questi poster, progettati per catturare l'attenzione con parole minime su sfondi in bianco e nero, raffigurano la dura realtà della vita londinese, evocando immagini che ricordano un romanzo di Charles Dickens intriso di un tocco contemporaneo.

Dopo una visita privata della galleria, gli artisti ci hanno accolto nella loro casa e studio in Fournier Street. Varcando la porta d'ingresso, siamo subito stati avvolti dal magnifico mondo di Gilbert & George. Ovunque, segni della loro creatività e immaginazione, insieme alle loro fonti di ispirazione, raccontavano la loro storia ancor prima che ci immergessimo in una vivace conversazione sull'arte, sulla società e sulle sfide della vita.

In un sentito omaggio alla vostra amata città, avete dichiarato: "Londra è la parte più importante della nostra ispirazione. È tutto ciò che ci circonda". La vostra attenzione verso i luoghi radicati nella vita di tutti i giorni è evidente nelle London Pictures e in gran parte delle vostre opere d'arte. Come continuate a trarre ispirazione da ciò che altri potrebbero considerare ordinario?

(George): Ci consideriamo privilegiati nel risiedere in un quartiere culturalmente ricco, caratterizzato da una profonda storia di diversità che, dalle sue radici in epoca romana - la nostra casa è costruita su un cimitero romano - giunge alla sua vivace presenza ebraica e all'afflusso di artisti in cerca di prezzi accessibili. Questa fusione di culture ed esperienze è fonte infinita di ispirazione.

Siete profondamente coinvolti nel mondo che vi circonda, avvicinandovi ad esso ogni giorno con occhi nuovi.

(Gilbert): Questa è l’essenza dell’essere un artista.

Cosa vi motiva e vi ispira? Cosa alimenta la vostra passione?

(George): La nostra passione per l'arte è la nostra forza trainante.

Abbiamo realizzato una grande scultura vivente perché ne facciamo costantemente parte. Siamo sempre al centro della nostra arte. Qualsiasi cosa facciamo, si esprime attraverso di essa. Tutto ciò è molto eccitante, per noi, ed è anche un concetto piuttosto fresco. Abbiamo intrapreso questo viaggio all’età di 14 anni, determinati a lasciare un’eredità. Siamo figli della guerra, spinti dal desiderio di non rivivere mai più un simile tumulto.

(Gilbert): Proveniamo anche da una generazione di studenti e insegnanti che credeva principalmente nella formalità. C'erano forme, angoli, cerchi, forse curve e alcuni colori. Quando eravamo studenti alla Saint Martin nessun insegnante parlava di sesso, denaro, razza, religione, speranza, paura o amore.

(George): Fortunatamente, ci sono stati artisti che hanno trasceso questi vincoli. Il nostro caro amico Carl Andre, recentemente scomparso, era uno di loro. La sua dipartita ci ha rattristato profondamente perché gli volevamo molto bene. Nonostante fosse conosciuto come un formalista, ha sfidato ogni aspettativa. Abbracciava la vita, si abbandonava al bere e apprezzava le donne. Ogni volta che visitava Londra, faceva di tutto per vederci, e allo stesso modo, quando eravamo a New York, ci offriva sempre una cena in un ristorante “comunista”. Carl era una meravigliosa contraddizione e incarnava ciò che l’arte dovrebbe sforzarsi di essere.

Con la vostra arte, abbracciate spesso contraddizione e provocazione. Si tratta di un gesto deliberato, dunque mirato a suscitare reazioni, o semplicemente un mezzo di autoespressione?

(George): È la nostra religione e, in un certo senso, preferiamo considerarla una "conversione" piuttosto che una provocazione. Il nostro obiettivo è coinvolgere e trasformare la prospettiva dello spettatore e siamo riusciti a convertirne molti! (Ride, ndr).

La vostra arte ha un senso di immediatezza. Qual è il messaggio che intendete comunicare?

(George): La nostra arte riflette la complessità della vita, catturando l'essenza delle nostre esperienze e osservazioni in un mondo in rapido cambiamento.

(Gilbert): È un linguaggio. Le persone possono capirlo perché ne fanno parte.

Le London Pictures sembrano fondere senza sforzo scene ordinarie con titoli sensazionali. Qual è lo scopo di questa fusione?

(George): Dobbiamo ricordare il pezzo dal titolo: questa è l'idea.

(Gilbert): Puntiamo anche a colmare il divario tra l'ordinario e lo straordinario, portando il sensazionale nel regno della vita quotidiana, dove gli spettatori possono immediatamente relazionarsi e interagire con la nostra arte.

Parlando di straordinario, nelle vostre opere includete spesso la Regina Elisabetta II ed è presente anche in ogni pannello di London Pictures. Qual è il motivo di questa scelta?

(George): Sì, anche se non abbiamo ancora ricevuto un invito a palazzo!

Ammiriamo la monarchia britannica. C'è una convinzione comune, tra i giovani, che l'arte tenda a sinistra. Crediamo che questo concetto sia eccessivamente semplificato. Si può essere un artista sostenendo la monarchia e il buon comportamento. Essere un ribelle selvaggio non è necessario. Si può anche essere educati.

Parlando di London Pictures, la Regina Elisabetta era sinonimo di Londra. Appariva spesso nei titoli. Non era solo una regina, era una donna straordinaria. La monarchia britannica occupa un posto unico rispetto ad altre in Europa. Perché non evidenziarlo? Le persone in tutto il mondo rispettavano la regina Elisabetta non solo perché era una regina, ma perché era Elisabetta: una vera ispirazione. Ora suo figlio ha forti responsabilità a cui adempiere. Ha interessi diversi e incarna un approccio moderno alla regalità.

L'uso di tende e motivi ricorrenti caratterizza London Pictures. Tuttavia, la vostra presenza sembra quasi distaccata, come osservatori esterni della vita cittadina.

(Gilbert): In effetti, abbiamo utilizzato tende ricamate e motivi ricorrenti per simboleggiare la nostra osservazione dell'esistenza urbana. Anche se i nostri lavori si intitolano London Pictures, catturano un paesaggio universale che può essere trovato in molte città del mondo, con noi che guardiamo un po’ da lontano, ma sempre al centro della nostra arte.

Potreste spiegare l'uso del bianco e nero, nonché del colore rosso per enfatizzare le parole chiave?

(George): Siamo fortunati perché proveniamo dall’arte della scultura e non abbiamo avuto accesso al colore. I pittori avevano scatole di colori o pastelli. Noi non avevamo quel lusso. Provenendo da un background diverso, abbiamo scoperto il potere del rosso e lo abbiamo utilizzato come graffiti per rendere la nostra arte conflittuale, proponendolo in un modo che parli allo spettatore. Non miriamo a rappresentare un paesaggio facile; al contrario, vogliamo catturare la natura conflittuale della vita presente in tutte le città.

Avete mai sentito la necessità di documentare città, oltre Londra, nelle vostre opere d'arte?

(Gilbert): Sinceramente no. Nemmeno Londra, potremmo dire. Tutta la nostra ispirazione deriva da questa zona di Londra dove risiediamo e lavoriamo da oltre 55 anni. Il nostro studio, situato qui al numero 12, nasce come un appartamento al piano terra di sole due stanze. Nel tempo, attraverso la vendita di opere d'arte, abbiamo acquisito il numero 8 e, più recentemente, ci siamo ampliati includendo il Centro.

La vostra accessibilità al pubblico attraverso il Centro è notevole. È intenzionale?

(George): Sì, lo è. Abbiamo riconosciuto la necessità di rendere l'arte più accessibile, ispirati da anni di attesa impiegati per vedere mostre di artisti viventi. Il nostro Centro mira a colmare questa lacuna, garantendo che la nostra arte sia alla portata di tutti coloro che desiderano sperimentarla.

Essendo due individui che formano un’unica scultura vivente, visioni diverse hanno mai rappresentato delle sfide?

(Gilbert): Cosa ne pensa? (Ride, ndr).

Il successo era la nostra massima priorità e abbiamo lavorato insieme per raggiungerlo, superando ogni differenza di visione. Dovevamo riuscirci e lo abbiamo fatto!

(George): Il fatto è che, nel momento in cui abbiamo lasciato il college, abbiamo perso ogni sussidio. Mentre i nostri coetanei ricevevano borse di studio o incarichi di insegnamento part-time nelle scuole d'arte, noi, essendo due persone, non avevamo tali opzioni. Così ci siamo ritrovati a vagare per Londra senza meta, semplicemente camminando ogni giorno. Per un colpo di fortuna, ci siamo imbattuti in un negozio di seconda mano e nel disco Underneath the Arches, quello che ha ispirato la Singing Sculpture. Non conoscevamo la canzone ma eravamo attratti dal titolo perché, nel 1969, vivevamo in mezzo a vasti ostelli per individui in difficoltà - migliaia di loro -, molti segnati dalle guerre e dalle rigide leggi sul sesso dell'era pre-depenalizzazione. Quindi, Underneath the Arches, per noi simboleggiava tutte queste persone. Che vita, avevano! Ora se ne sono andati tutti e noi siamo gli unici rimasti. Sono stati sostituiti da giovani tossicodipendenti: la nuova generazione. Il cambiamento è costante. È come l'edificio alla fine della nostra strada: una volta chiesa francese, poi sinagoga, ora moschea. Cosa sarà in futuro? Perché non possiamo prevederlo? Dovremmo essere in grado di farlo, no?

Il vostro ingresso nel mondo dell’arte è stato piuttosto radicale e non convenzionale. Avete cominciato dichiarando: "Noi siamo l'opera!" e anche dopo molti anni, la vostra arte ha ancora grande risonanza.

(Gilbert): Il nostro obiettivo era lasciare un impatto duraturo, come nel caso della Drinking Sculpture o dei nostri pezzi Nature del 1971. Inizialmente non avevamo previsto il loro successo. Nel 1971 abbiamo organizzato una mostra di dipinti a colori e li abbiamo venduti tutti. Successivamente, ci siamo avventurati a New York per la nostra prima mostra con Ileana Sonnabend a Soho, situata al 420 West Broadway. Ciò segnò l'inizio della scena artistica nel centro di New York. In precedenza, le gallerie erano situate in zone esclusive, ma abbiamo colto l'occasione esponendo in questa parte “calda” di Manhattan.

(George): Da un giorno all'altro abbiamo avuto un enorme successo. Eravamo tra le quattro gallerie che aprivano la stessa sera, attirando folle da tutta New York nel quartiere di Downtown. La notizia si diffuse fino a raggiungere la radio e un elicottero della polizia sorvolò la città, perplesso dall'improvvisa ondata di gente diretta da quella parte. Successivamente presentammo la Living Sculpture, attirando l’attenzione dei rappresentanti del governo preoccupati per il sovraffollamento dell’edificio. Era una situazione complicata, che sollevava dubbi sulla stabilità della struttura.

È stato quello il momento in cui avete pensato: “Ce l’abbiamo fatta”?

(George): Assolutamente sì, ce l'avevamo fatta davvero! In modo sostanziale e praticamente da un giorno all'altro. Non siamo sicuri che una cosa del genere fosse mai accaduta prima. E sfondare a New York non è stato facile, considerando che di solito sono loro a fare scalpore in Europa.

Qual è il vostro orgoglio più grande come artisti?

(Gilbert): Essere due individui uniti nell'espressione artistica per oltre cinque decenni: è un risultato straordinario. La nostra partnership ha fornito un supporto costante l’uno all’altro e una piattaforma per creare e ispirare continuamente.

Scritto in collaborazione con Danilo De Rossi

In copertina:
Gilbert & George presso lo studio di Fournier Street
Immagini © Danilo De Rossi

Galleria 1: La mostra al Gilbert and George Centre
Galleria 2: Lo studio di Fournier Street